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miércoles, 31 de octubre de 2018

Cuando Creas en Mí. Mi Mejor Poema Para Ti. Poema 49

Tú Necesitas Creer en mí...


Cortesía de Pixabay | Foto: Anja Osenberg



Cuando creas en mí

Cuando creas en mí,
verás el olivo en la gaviota
pintarás un sol de oro
y contarás sueños del mañana.

No hay avance
que no sea retroceso
si al soldar cristales
perdemos su transparencia.

Búscame ante la columna
que soporta universos abiertos
en la herradura que marca caminos,
en el delicado gotear ─la vida─.

Óyeme en el canto del niño
en el viento estepario
en el junco que se deja mecer,
en tus manos ansiosas ─un vivir─.

Ordena tus silencios
revuelve tus alegrías
y acércate sigilosamente
cuando creas en mí.


© francisco javier costa lópez

viernes, 12 de octubre de 2018

Como un niño buscando caracolas. Mis Mejores Poemas Para Ti. Poema 48

Busca Tus Motivos Para Una Vida Plena...


Cortesía de Pixabay - Foto: user 821292




Como un niño buscando caracolas



Como un niño buscando caracolas
mar confuso de los tiempos
perché la tela de mis días
y en el lunar del alba
abandoné ansias sin dejar rastro,
que no hay camino tan grande
ni tan chico,
que albergar pueda
el rastro de la centella.

¿Será ese niño caracolero
quien tienda besos a las olas
cuando sus ojos maduren
quedos de rojo cereza?

¿Será el hombre de ojos cereza
abrazado a un coral marino,
quién por ventura,
niegue al mar su playa
y a la playa su arena?

¡Qué pena! ¡Qué tristeza!
Ya no hay piececillos
que sin dejar rastro,
en la arena,
recojan caracolas.



24.09.2005 Derechos reservados
© francisco javier costa lópez

sábado, 8 de septiembre de 2018

Vidas. Mis Mejores Poemas Para Ti. Poema 47

Hay Muchas Vidas en Una Sola Vida...



Cortesía de Pixabay - Foto: (Usuario 851878)






Vidas




Soy velero de ocasos,
en álgebra inversa
al réquiem que olvida el día
y anuncia tenebrosa noche
en la línea que esculpe vidas
piedra teñida de púrpuras,
sangre venida de vidas.

No hay solución al problema
que se reza ante espigas
retorcidas, secas,
girando a la nada,
mientras náyades egoístas
cierran compuertas a la vida
en el crisol donde se funden
las manos de la esperanza.

Sabemos que muchas vidas existen
en las cárcavas que el cielo trazó,
pero un papel de gas intangible,
a otras, de cruel dentellada
se las tragó.



© francisco javier costa lópez

The Night of the Hunter (La noche del cazador). 1955. Afiches

Una Bellísima Pesadilla de la Que No Querrás Despertar...



Afiche original para España


Afiche para la edición bluray


Una de las mejores películas de la historia del cine, que además, el paso de los años incrementa su valía, sin importar tendencias.

Parece increíble que su estreno fuera un fracaso: o la gente era idiota en aquellos años, o eran de otro planeta.

Su visionado te hará pasar un magnífico rato y cuando llegues al final, no lo desearás, aunque eso sí, estarás plenamente satisfecho.
Atención a la larga escena de los niños en una barca por el río: esencia poética, puro cine de autor, la muestra de un artista.



© francisco javier costa lópez

The Big Clock (El Reloj Asesino). 1948. Crítica de Cine

Un Crimen Pasional...



Ray Milland y Charles Laughton en una escena de esta película



John Farrow, de origen australiano, aunque afincado en EEUU, fue un director de cine, escritor y productor, de los que podríamos decir "de andar por casa", es decir, un artesano del celuloide, que dirigió un buen número de películas con esa frescura característica de los años en los que el cine se hacía con pocos medios, y las historias se basaban en hechos y argumentos, extraídos de escritores poco conocidos o, simplemente, desconocidos. Por otra parte, la elección de los actores es sobradamente acertada, ya que aparte de los secundarios como Harry Morgan (conocido más tarde por interpretar a un coronel en la serie TV MASH) y Elsa Lanchester (esposa de Charles Laughton, y conocida por la cinta «La novia de Frankestein» y por ser la enfermera del propio Laughton en «Testigo de cargo»), los propios protagonistas, Ray Milland (posteriormente conocido por "Crimen perfecto" de Alfred Hitchcock o por «El hombre con rayos X en los ojos» de Roger Corman) y Charles Laughton (conocido por casi toda su obra: «Rebelión a bordo», «Testigo de cargo», «El proceso Paradine», «Tempestad sobre Washintong», etc., etc.), sin olvidar al tercero en discordia George Macready, y a Maureen O'Sullivan (famosa por su papel de Jane en las seis primeras entregas de «Tarzán», junto a Johnny Weismuller), esposa de Farrow, con el que tuvo siete hijos, entre ellos la conocida Mia Farrow, que más tarde la haría ser madre política del mismísimo Woody Allen, que le otorgaría un pequeño papel en las postrimerías de su carrera en la película «Hannah y us hermanas". 
He hecho este breve panegírico, con la finalidad, o eso intento, de comprender un poco más el significado "de andar por casa". Hay que tener en cuenta, que los años de la Segunda Guerra Mundial, se habían encadenado con los de la Gran Depresión, y los primeros años de la posguerra no mejoraron las cosas, el cine incluido, de ahí que este fuera considerado como una gran familia, con más frecuencia de lo habitual.
Después de este rollo, diré, que la película es un acierto en la creación de personajes, donde Milland, como siempre, está correcto, y el gran Laughton, sin cansarse mucho, borda a su cínico personaje. Destacar como queda dicho al mudo que interpreta Morgan y a la excéntrica pintora, encarnada por la Lanchester. En cuanto a la trama, vista hoy día (como me ha pasado a mi), lejos de desilusionarme, ha sido como un viento agradable y fresco que revitaliza la pasión por el cine. Muchos directores de la actualidad, debería mirarse en esta y otras películas de los viejos y clásicos artesanos. Recomendable totalmente. ¡Ah!, y proveanse de palomitas y algún refresco, les ayudará a pasar una agradable velada. De nada.




© francisco javier costa lópez





Calificación:

John Farrow. The Big Clock (El reloj asesino). 1948. Afiches

Un Reloj Poco Fiable...






Una película poco conocida, heredera de la tradición del cine negro norteamericano que allá por los años 30 del siglo pasado, comenzó su deambular, llegando a la consolidación del género, con la famosa cinta de 1941, «El halcón maltés», momento que es considerado el comienzo de la época dorada de este tipo de películas. Son innumerables las aportaciones de la industria cinematográfica al cine negro, pero cada una de ellas, aportó su granito, para consolidar este nuevo género lleno de villanos y matones, estafadores y mafiosos y también de policías, detectives, amantes perversas y novias perseguidas. 
Esta película ofrece por tanto varios de los parámetros de este tipo de cine y algún matiz nuevo, que hizo aumentar la leyenda de estas producciones que aún se extienden hasta nuestros días, aunque con menor intensidad de lo deseable.


© francisco javier costa lópez

lunes, 27 de agosto de 2018

Tócala Otra Vez Sam. Mis Mejores Poemas Para Ti. Poema 46

Los Recuerdos Nos Mantienen Vivos...



Cortesía de Pixabay - Foto: Robert Allmann




Tócala otra vez, Sam




La manta noctámbula
cae silenciosa
en la pradera de cartón piedra
de una ciudad cualquiera.
Envuelta en nieblas,
la luz de una farola
parece tibia suplica
a la flor de piedra desierta
que serpenteando besa
los diques del viejo puerto.
Hay en él,
mástiles que al cielo
preguntan ondulaciones,
mientras un marino
erguido de ron
desafina Rigoletto...

...La donna è mobile...

Mientras,
en el paraninfo celeste,
una lunilla taciturna,
bosteza en los ojos
de un gato célibe del parque,
donde dos enamorados
se confiesan con los ojos
y se perdonan con los labios.

Una vieja melodía,
me llega envuelta en ayeres.

Desde Rick’s Café Américain
se escapan las notas de
“As Time Goes By”.
Parece que fue ayer...

Tócala otra vez, Sam...


sábado, 18 de agosto de 2018

Jaime Urrutia. Patente de Corso. ¿Dónde estás? 2002. Los Mejores Vídeos Para Ti

Una Reunión de Amigos y Una Buena Interpretación...






En el año 2002, Jaime Urrutia, una vez disuelto su Gabinete Caligari, lanzó al mercado el disco «Patente de corso», donde se incluía el tema «¿Dónde estás?», una canción rítmica y fuerte, en la que reunió a tres de los grandes del panorama musical español: Enrique Bunbury (ex de «Héroes del Silencio»), Andrés Calamaro y el incombustible Loquillo (esta vez sin sus «Trogloditas») y también Guille Martín (fallecido en 2006), José Niño Bruno y Esteban Hirschfeld, acompañantes habituales de Urrutia.
La canción, ya es un tema mítico entre los seguidores de cualquiera de los músicos que intervienen en ella, donde puede comprobarse, el estilo y soltura de las grandes estrellas de la música. Muy buena.




Calificación:







Jaime Urrutia. Patente de Corso. 2002. Las Portadas de Mis Vinilos

Un Roquero con Pedigrí...





Jaime Urrutia, ex fundador de Gabinete Caligari, crea en este su primer disco en solitario, un grupo de canciones que conforman el mejor pop español y casi, una refundación de la célebre movida madrileña. Destaca entre todas, con luz propia, el tema «¿Dónde estás?», acompañado de algún que otro amigo de reputada trayectoria. 



Calificación:







sábado, 11 de agosto de 2018

Alfred Stieglitz. Fotografía. La Terminal. 1893. Miremos el Arte

La Fotografía Como Pasión...

Alfred Stieglitz, fotografiado en 1890 por Frank Eugene
Colección MET - The Metropolitan Museum of Art
Más información de esta imagen aquí


La terminal (The terminal. 1893)
Colección MET - The Metropolitan Museum of Art
Más información de esta imagen aquí


Unos pintores le preguntan a Stieglitz:       
«Por supuesto, esto no es arte, pero si que nos       
gustaría pintar como usted fotografía».       
A lo que Stieglitz, contesta:       
«No se nada de arte; pero, por lo que sea,       
nunca he pretendido fotografiar como ustedes pintan».       



Pictorialismo, se deriva del vocablo inglés —picture (imagen)—, y nada tiene que ver con otras tendencias fotográficas que intentan acercarse a la pintura. Por lo tanto, hablar de pictorialismo en fotografía, ha de entenderse, como la técnica utilizada por el fotógrafo, para captar un entorno donde participan con igual importancia, medios naturales (incluido el hombre), medios industriales, paisajísticos o urbanos y medios técnicos auxiliares empleados en su posterior trabajo de revelado y positivado, consiguiendo de esta forma, una obra totalmente personal, donde los conceptos que definen el arte, como la forma de mostrar la imagen, en la que puede apreciarse el invisible sentir del autor, se hallan presentes, configurando el resultado final, como una «fotografía artística».
Equipado con una pequeña cámara en formato 4 x 5, que le permitía una mayor libertad y autonomía, aunque no era considerada como una cámara que proporcionara fotos relevantes, obtuvo tomas instantáneas, que en opinión del crítico Sadakichi Hartmann [1], conforman la nueva «fotografía directa».
En efecto, Stieglitz, dotaba a sus tomas de un expresionismo propio, aislando la esencia a transmitir, buscando el foco emisor del cambiante mundo que le rodeaba. Como es natural pensar, en aquella época, el fotógrafo, era también un especialista en la posterior manipulación de las imágenes en el laboratorio, donde buscaba la sublimación de su expresión, por medio de combinaciones químicas mediante aditivos añadidos al revelado, el uso de distintos soportes y técnicas de insolación, para obtener fotos que sugirieran una imagen envuelta en un halo de misterio o misticismo, insinuación o revelación. Son imágenes de paisajes entre brumas, niebla, o nublados, con lluvia o nevando, escenas cotidianas, vestidas para una ocasión mágica, que escapa al ojo, como brizna que lleva el aire. Ese era el marco de actuación de este aventurero de la imagen, y su legado es espectacular. De esta etapa cabe destacar —La mano del hombre (The hand of man. 1902)―: un tren entrando entre brumas en la estación de Long Island— o la maravillosa —La terminal (The terminal. 1893)—, una impresionante fotografía, una importante obra de arte, cuestión esta por la que luchó durante toda su vida: no por ligar la fotografía a otros géneros artísticos, sino por configurarla y equipararla a otros artes, tenidos como mayores.
Situémonos en 1893, todos los que amamos la fotografía, y pensemos en los medios de hoy en día, y que no hace falta relacionar, pero eso sí, hagamos una elemental comparación: ¿Cómo es posible lograr esta imagen? ¿De qué medios se valió el artista? ¿Qué ven tus ojos cuando la miras? Eso es arte sin más definición. Stieglitz aprovecha un día de máximo frío, para plasmar el vapor despedido por los caballos, creando una imagen onírica, atractiva, relajante. Todo es un conjunto sereno, silencioso, como si en realidad —el tiempo se hubiera congelado, por efecto del tiempo—. No hay prisa en los personajes que circulan por detrás del tranvía, y la nobleza de los caballos, atendida por su cuidador, casi es palpable. Acostumbrados hoy día, a la manipulación digital, ver este trabajo, engrandece a su autor, y a tantos otros que recorrieron caminos similares. Su progresión le llevó posteriormente a la fotografía directa (escenas sin ningún tipo de preparación), donde destacó, con instantáneas de gran valor documental, como —El entrepuente (The steerage. 1907)—, escena de trabajadores en las cubiertas de un paquebote a vapor. Es destacable su serie de desnudos, en especial de una de sus esposas, la pintora Georgia O’Keefe
Teniendo en cuenta la época en que desarrolló su actividad, nada o casi nada tuvo que ver con los dadaístas (aunque vivió de pleno en su época), excepción hecha de algunas fotos de sus líderes y del famoso urinario ―Fuente (The fountain. 1917)—, que Duchamp mandó a la Exposición de la Sociedad de Artistas Independientes. De todas formas, su influencia, se dejó notar, tanto en ese como en otros movimientos, consiguiendo elevar la fotografía a la categoría de arte.  
Una sugestiva historia, que nos acerca un poco, a este genio de la fotografía contemporánea.

[1] Poeta, actor y crítico de arte, especializado en fotografía, gran conocedor de la obra de Stieglitz y su más febril estudioso. Nació en Japón en 1867, de padre alemán y madre japonesa. Vivió en EEUU, donde murió en 1944.


Una noche helada (An icy night. 1898)
Colección MET - The Metropolitan Museum of Art
Más información de esta imagen aquí



martes, 7 de agosto de 2018

Ayudar a Otro Está... Y Tú ¿Qué Dices? Frase 36

Se Generoso: Enseña al Que No Sabe...


Cortesía de Pixabay. Foto: Jonny Lindner





Ayudar a otro está bien, mas enseñarle a ayudarse a sí mismo está mejor.


Anónimo



domingo, 5 de agosto de 2018

Hay un Tiempo Para Nacer, Para Morir, Para Vivir. Mis Mejores Poemas Para Ti. Poema 45

Hay Tiempo Para Todo en Esta Vida...



Cortesía de Pixabay. Foto: Joakant





Hay un tiempo para nacer, para morir, para vivir




Hay un tiempo para nacer,
como el pececillo, como el colibrí,
como la flor de alelí. 

Agua, aire, tierra...

También hay un tiempo para morir,
cuando el camino ya no se ve,
cuando el mar no encuentra su playa,
o cuando el aire, cansado de volar,
amaina.

Tierra, agua, aire...

Pero ahora es tiempo de vivir,
como el pececillo, como el colibrí,
como la flor de alelí.

Vive como el agua vive.
Vive como el aire vive.

Y camina por la tierra de tus días.




Pink Floyd. Animals. Sheep. 1977. Los Mejores Vídeos Para Ti

Unas Ovejas de Mucho Cuidado...






Espléndido tema Sheep (ovejas), extraído de un disco legendario en el panorama musical de finales de la década de los 70 del siglo pasado, del célebre grupo Pink FloydAnimals.
El concepto general del disco, está basado en la obra de George Orwell, Rebelión en la granja, donde el hombre es -animalizado-, según su comportamiento social, siendo sheep (oveja), la gente normal.
El vídeo que os dejo tiene una buena resolución y el sonido es muy bueno.
Las imágenes están extraídas de la película neozelandesa de 2006 Black Sheep, que en España se llamó Ovejas Asesinas. Casi parece hecha para este tema.
Canción de amplio corte crítico contra la sociedad imperante de aquel momento, que no ha cambiado mucho en sus conceptos y desarrollos básicos.
Os dejo la letra original y la traducción al español. Espero os guste, a mí me encanta.

Sheep
Hopelessly passing your time in the grassland away
Only dimly aware of a certain unease in the air
You better watch out
There may be dogs about
I've looked over Jordan, and I have seen
Things are not what they seem.

What do you get for pretending the danger's not real
Meek and obedient you follow the leader
Down well trodden corridors into the valley of steel
What a surprise.

The look of terminal shock in your eyes
Now things are really what they seem
No, this is no bad dream.

The Lord is my shepherd, I shall not want
He makes me down to lie
Through pastures green He leadeth me the silent waters by
With bright knives he releaseth my soul.

He maketh me to hang on hooks in high places
He converteth me to lamb cutlets
For lo, He hath great power, and great hunger
When cometh the day we lowly ones.

Through quiet reflection, and great dedication
Master the art of karate
Lo, we shall rise up
And then we'll make the bugger's eyes water.

Bleating and babbling we fell on his neck with a scream
Wave upon wave of demented avengers
March cheerfully out of obscurity into the dream.

Have you heard the news?
The dogs are dead
You better stay home
And do as you're told
Get out of the road if you want to grow old.

Autor de la canción: Roger Waters



Ovejas

Pasando tranquilamente tu tiempo en los lejanos prados
Solo vagamente conscientes de una cierta inquietud en el aire.

Mejor que vigiles
Puede haber perros acechando
Miré a Jordania y lo he visto
Las cosas no son lo que parecen.

¿Qué obtienes fingiendo que el peligro no es real?
Manso y obediente sigues al líder y,
Desciendes por los corredores, a ser esclavizado ​​en el valle de acero
Qué sorpresa.

La última mirada quema tus ojos
Ahora las cosas son realmente lo que parecen,
No, esto no es un mal sueño.

EL SEÑOR ES MI PASTOR, NADA ME FALTA
ÉL ME HACE CAER EN LA MENTIRA.
A TRAVÉS DE VERDES PRADERAS, ÉL ME GUIÓ POR SILENCIOSAS                                                                                                             [AGUAS.
CON BRILLANTES CUCHILLOS, LIBERÓ MI ALMA.
ME COLGÓ CON GANCHOS EN LUGARES ALTOS
Y ME CONVIRTIÓ EN CHULETAS DE CORDERO.

PORQUE AQUÍ, ÉL TIENE GRAN PODER, GRAN HAMBRE.

PERO CUANDO LLEGUE EL DÍA DE LOS HUMILDES,
PENSAREMOS EN SILENCIO Y, CON ENTRENAMIENTO,
DOMINAREMOS EL ARTE DEL KÁRATE. 
ENTONCES NOS REBELAREMOS Y,
HAREMOS QUE SE MOJEN LOS OJOS DE LOS NECIOS.

Balando y balbuceando, caímos sobre su cuello con un grito.
Ola tras ola como vengadores dementes,
Marchamos alegremente desde la oscuridad al mundo de los sueños.

¿Has oído las noticias?
Los perros están muertos.
Es mejor que nos quedemos en casa,
Y hagamos lo que dicen.

Quitémonos de la carretera si queremos envejecer.

Autor de la canción: Roger Waters

En mayúscula e itálica, van los textos que en la canción aparecen distorsionados por medio de algún tipo de vocoder. Pertenecen, libremente adaptados e interpretados, al Salmo 23 de la Biblia Católica. Una genialidad más, de Roger Waters.

Calificación:






Pink Floyd. Animals. 1977. Las Portadas de mis Vinilos

Cuidemos a los Animales...






La llegada al mercado de este long play, el 23 de enero de 1977, hace la friolera de 41 años, supuso el cierre de una trilogía iniciada con The Dark Side of the Moon (1973) y Wish You Were Here (1975), que fue considerada por sus seguidores y todos los amantes del buen rock, como la de mayor creatividad, calidad y compromiso social (aún no había visto la luz The Wall).
Escuchar hoy en día (cosa que hago frecuentemente) este disco, es llenarte de una música alucinante, con un estilo depurado y un tratamiento de voces e instrumentos, que ni los mejores grupos del momento, serían capaces de emular.
He elegido este, entre los tres, por ser el de crítica más mordaz, sin desmerecer a los otros dos, que aparte de encantarme, son joyas de las música de todos los tiempos. Os lo recomiendo sin restricciones.



Calificación:




martes, 31 de julio de 2018

Electric Light Orchestra. Xanadu. 1980. Las Portadas de Mis Vinilos

Cuando la Música Supero a la Película...






La banda sonora de la película Xanadu (nominada íntegramente como peor película del año, en los primeros premios Razzie), no corrió igual suerte que el film y, disfrutó de una mayor aceptación del público, debido a los pegadizos temas que se incluyeron en su Cara A, compuestos por John Farrar, para Olivia Newton-John, que fue acompañada por el grupo The Tubes en el tema Dancin', por Cliff Richard en el tema Suddenly y por el mismísimo Gene Kelly (coprotagonista del film), en la canción Whenever You're Away From Me. Pero es en la Cara B del disco, donde reside la fuerza que mantiene al disco, ya que Jeff Lynne y su Electric Light Orchestra, incluyen unos temas de buena calidad sonora y buenas dosis de ritmos bailables, donde destacan I'm Alive y la multitudinaria All Over The World, utilizada para mil propósitos, entre ellos varios flashmob ya históricos. En definitiva y valorando su conjunto, un disco de agradable audición y con la ELO dispuesta a llenar las pistas de baile.



Calificación:





lunes, 30 de julio de 2018

Electric Light Orchestra. Xanadu. I'm Alive. 1980. Los Mejores Vídeos Para Ti

El Éxito Musical Que Tapó las Carencias de la Película...








Este tema incluido en la banda sonora de la película Xanadu, film, que fue un rotundo fracaso comercial y artístico, y que quiso beneficiarse de la proyección artística de Olivia Newton John y la Electric Light Orchestra, que por 1980 estaban en la cúspide de la fama, los productores, no calcularon que una cosa es cantar, y otra actuar, lo digo por Olivia, que venía de triunfar en Grease, pero que en esta, simplemente, no cuajó. La cara A de este álbum, recogía los temas cantados por Olivia, estando la cara B destinada a los temas de ELO, que fueron los que mantuvieron el disco en alza.



Calificación:




domingo, 29 de julio de 2018

Hombre o Silueta. Mis Mejores Poemas Para Ti. Poema 44

Revitalízate...



Cortesía de Pixabay. Foto: Free-Photos





Hombre o silueta




Enciende el corazón,
ahora que el sol,
amortigua en tu tersa piel su brillo.
Notarás como una suave melodía
te envuelve,
como el aire se hiela
para que sientas frío,
o quizás notes lo contrario
y un sumiso pavor,
            invada tu energía,
sin que sospeches,
que el alma destila trámites de vida.

Son  rastros que ocultas, que no quieres desvelar,
para lograr no conmoverte,
            ni alzarte a donde la ilusión nace,
            y la realidad muere.

La realidad es una historia que
se extravía en los latidos
            de un pasado cautivo del tiempo.

Y…
¿para qué vivir entonces?

            Llueve en los acantilados,
la furia del mar no encuentra amparo,
sólo desdicha frente a los poderosos.
Y el hombre será sólo silueta, sólo
            formas de vida, sangre que,
encendida,
            se enerva, se yergue,
atemorizada por haber perdido
la esperanza,
            que al fenecer el día,
            cada día,
un olvidado corazón,
            entre sueños,
te ofrecía.



© francisco javier costa lópez



domingo, 22 de julio de 2018

The Alan Parsons Project. Eye In The Sky. 1981. Mi Música Preferida

El Ojo en el Cielo Nos Observa...



A finales del año 1981 Alan Parsons y su colega Eric Woolfson, compusieron el álbum Eye in the Sky, siendo lanzado al mercado discográfico en mayo de 1982, convirtiéndose inmediatamente en un éxito fulgurante, por lo que llegó a ser disco de platino y su canción estrella, que presta título al disco, alcanzó el nº 1 en España y Canadá. Siempre he disfrutado con la música de The Alan Parsons Project y este disco, supuso la inmersión de sus artistas en el mundo e historia de los antiguos egipcios y sus legados cósmicos.
Temas como el instrumental Sirius, o los cantados Silence and I o el corte estrella Eye in the sky, fueron directamente a la médula de los alanparsianos y sin más tiempo, se convirtieron en grandes éxitos.
Yo tengo este vinilo, comprado a poco de salir, y en aquella época, de la que han pasado 36 años, lo escuché muchas veces, pero lo conservo en inmejorables condiciones. Quién me iba a decir o contarme, no hace muchos años, el paulatino y parece que imparable nuevo auge del disco de vinilo, lo que para todos cuantos oíamos la música en estado puro, -ningún otro sistema de grabación se acerca a la pureza del vinilo-, significa una grata noticia. Habrá quien diga que lo expresado anteriormente es una aberración: yo le invito a descubrirlo en las innumerables fuentes que puede encontrar en internet. Cuestión aparte, es la que muchos de los que hablan sobre estos temas, no consideran lo suficiente: el aparato reproductor, y, eso si es de gran importancia en el mundo del vinilo. Turntable, Plato, Giradiscos o Tocadiscos, hay muchos y de muy variada gama: desde los domésticos de unos pocos euros, a los que cuestan miles, como por ejemplo el AV Designhaus Derenville VPM 2010-1, cuyo precio es 531.000 euros.


El Derenville y su constructor en acción

Pero volviendo a pisar suelo terrestre, por otros módicos precios, podemos tener aparatos reproductores de vinilos, que tengan una fidelidad importante y que ofrezcan un sonido más natural. Dejando aparte los fabricados para el todavía importante sector del DJ, hay una buena colección dentro de la gama HIFI. Una regla sería, que por muy buena que sea una grabación, si el plato no tiene calidad, el sonido será pobre y distorsionado. Por este motivo, mi antiguo plato, un Garrard (marca inglesa de gran prestigio, desaparecida hace algunos años) de 1980, tuve que jubilarlo y me propuse buscarle sustituto. Menuda tarea, pues me ha llevado más de cinco meses, buscando por toda la web, hasta que al fin me he decidido por adquirir un giradiscos de sistema tradicional, es decir de transmisión por correa, pero totalmente modernizado, y con un diseño espectacular, unido a una realización técnica impresionante: un conjunto donde se aúnan calidad en su ingeniería técnica y calidad estética desbordante. Se trata de un plato de la marca de EEUU, ION, mod. Pro500BT (Si te interesa está en Amazon. Míralo aquí). Una verdadera delicia para los sentidos. Os dejo un vídeo en directo de cuanto acabo de exponer. 





Y aunque me he desviado un poco del tema principal, la grabación, totalmente en directo, incluye un flash del tema Silence and I.
En cuanto al disco completo, puedo decir, que ofrece una música en algunos momentos reflexiva pero atrayente y en otros, con el más puro rock tradicional, pulido por el tamiz sinfónico. Un disco histórico e imprescindible en la discoteca de cualquier melómano que se precie.





Calificación:




  • Dejo también un documento de la época: es una entrevista que la revista semanal incluida en algunos periódicos, los domingos, concretamente El Dominical (actualmente se llama XLSemanal) , publicó al poco de lanzarse este disco, y que es un testimonio directo sobre Ojo en el cielo, lo que le confiere cierta importancia para todos sus seguidores.





© francisco javier costa lópez

Siempre Ella. Mis Mejores Poemas Para Ti. Poema 43

Siempre Ella



Cortesía de Pixabay. Foto: interceptia0 





Siempre Ella




Ella se apagó lentamente;
como la tarde que desfila
una y otra vez por mis ojos.
Y sucumbió dulcemente,
como si mi inspiración
hubiera sido un deseo del destino,
que nunca llegó a su fin.

Perdóname por no creer
que la lluvia empapa el suelo
y entumece mis rudas manos
sin poderla abarcar;
es ahí, cuando mi sentir
se ralentiza, y puedo ver
como la flor vive en silencio y,
el corazón en constante bullicio.

Perdóname por no saber
que hay aristas que me separan
de cuanto quise soñar
a orillas de tu imaginaria playa;
allí te vi convertida en siena
mientras tejía mi soledad, dulce
como pequeña flor de azúcar
endulzando lo que atrás quedó.

No me faltes ahora que mis ojos despiertan
a la realidad fingida,
a los bosques sin verde
a los mares sin olas,
a la música sin melodía.

Vuelve a mí ilusión,
como el rayo que aviva la tormenta,
como la esperanza que vive en lo inhóspito,
como el puro amor
que siempre entrego,
cuando tú, vives
en lo profundo de mi.





© francisco javier costa lópez - 22.03.2018

domingo, 8 de julio de 2018

Lista de Mis Cinco Mejores Películas de...

Musical Clásico



Cuando me propuse hacer este tipo de post, no consideré suficientemente la gran problemática, que para un amante del cine como yo, supondría la confección de una lista de películas agrupadas por temas o géneros, con la dificultad añadida de tener que escoger las cinco mejores, de esa lista. Pero aquí estoy, intentando, sobre todo ser honesto conmigo mismo (lo que hará que lo sea también con vosotros), y huir de pasiones que las tengo, y que por supuesto, ayudar no ayudan mucho... en estos cometidos...
Al referirme al Musical Clásico, trato de hacer una distinción con el tipo de musical que empezó a proliferar a finales de la década de los 60 del siglo pasado: la adaptación cinematográfica con historia o sin ella (documental), de vinilos aportados por grupos y artistas en boga por aquellos años, y de la que trataré de hacer un post más adelante.
El musical cinematográfico, es eminentemente americano y surge como un traspaso de las tablas de los escenarios de Broadway (Nueva York) a los platós, de la mano de los grandes compositores y delirantes bailarines y cantantes; pero aunque parezca lo contrario, no fue tarea fácil, pues encumbrarse en Broadway y llegar a la meca del cine, era quimérico entonces... al igual que ahora. Haciendo un poco de memoria, el cine y la música son deudores técnica y artísticamente de las grandes figuras, desde Cole Porter a Gershwin, desde Busby Berkeley a Rodgers & Hammerstein II, Glenn Miller o a Fred Astaire, Ginger Rogers o Debbie Reynolds y, sobre todo al gran Gene Kelly.
Cuando el crack de octubre de 1929, sumió a E.E.U.U. en una larga y cruda depresión financiera y social, la primera película sonora con el sonido sincronizado The Jazz Singer, llevaba justo dos años estrenada (octubre de 1927) y, sí, se trataba de un musical. Al principio, el musical, copiaba el formato teatral o vodevilesco, pero carecía de orden, y se resumía en una serie de canciones compuestas al efecto y con fuertes críticas al sistema político y capitalista, a los que hacían responsables de su cruento vivir. La atractiva aventura del cine musical, empezó a llamar a jóvenes talentos del lado de la composición, baile o canto, a los que Broadway, exprimía sin piedad y sin ofrecer nada a cambio. Muchos de los títulos, hoy míticos, se basan en los albores de este género, siendo la más representativa Cantando bajo la lluvia, y sin olvidar a unos jóvenes y principiantes y sobre todo pioneros, Mickey Rooney y Judy Garland, con títulos como Los hijos de la farándula, Armonías de juventud, Chicos de Broadway y El mago de Oz, con la Garland en solitario. 90 años justos han transcurrido desde que Al Jolson, nos cantara desde el fondo de una pantalla, hasta 2017, año de la exitosa La La Land
En definitiva, los musicales del cine, al igual que el resto de temas cinematográficos, tienen nutrido grupo de pesos pesados en su historial, y a ellos, hoy y siempre, dedico desde estas elementales reseñas, toda mi admiración.
Y a modo de colofón, mencionar (sin ordenación previa), alguno de los film que permanecen en nuestras retinas y en este caso, en nuestros oídos: Grease, Chicago, Cabaret, My fair lady, West side story, Los miserables, The rocky horror picture show, Gigi, El violinista en el tejado, Yentl, La calle 42, La bella y la bestia, Flashdance, Fiebre del sábado noche y tantas y tantas otras. En cuanto a sus participantes, a parte de los ya nombrados, John Travolta, Topol, Barbra Streisand, Louis Armstrong, Elvis Presley, Marilyn Monroe, Leonard Bernstein, Frederick Loewe...
Como siempre, decir, aunque sea reiterativo, que como digo al principio, no es ni fácil ni cómodo, explicar en la inmediatez de este blog, una historia que abarca 90 años. A parte, ya sabéis que existen también, multitud de web, que abordan esta temática y tienen exhaustivas listas de todo tipo de géneros y sucesos cinematográficos. Yo no busco eso y mi lista, seguro que provocará controversia, pero seguro que es más acertada que muchas otras, porque no está influida por nadie y no trata de copiar o repetir lo que todo el mundo ya conoce. 
Por último, en base a todo ello, el orden de presentación, es lo de menos.


Mis cinco mejores películas de Musical Clásico


Oliver! 



Esta película dirigida por Carol Reed en 1968, ganó 6 Oscar, entre ellos, mejor película, mejor director y mejor música. Tuvieron que pasar 34 años, hasta llegar a la cinta Chicago (2002), para que se repitiera esta coincidencia de premios. Interpretada por Oliver Reed (sobrino de Carol), Ron Moody y por un primerizo e infantil Mark Lester (que cumplió 9 años durante el rodaje), se trata de uno de los musicales más sólidos y mejor realizados de la historia del cine. Historia basada en la inmortal obra Oliver Twist de Charles Dickens.





Calificación:



Mary Poppins





Película dirigida en 1964 por Robert Stevenson, un habitual de la casa Disney, e interpretada por Julie Andrews y Dick van Dyke, que supuso un fenómeno de masas, dada su temática sencilla y sumamente atractiva, que los actores, llevaron a la perfección para crear el climax adecuado, aderezado por brillantes números musicales, en los cuales no faltó la coreografía, determinante en muchos de sus pasajes. Película familiar, que me conozco de memoria, incluidas todas las melodías, que como revulsivo, fueron dobladas y cantadas en español, con gran maestría. Premiada con 5 Oscar.







Calificación:




Cantando bajo la lluvia





Película dirigida en 1952 por Stanley Donen y Gene Kelly, que supuso su segunda colaboración, después de Un día en Nueva York (1949) y que supone un punto de inflexión en la historia del cine. Trío de actores comandado por el propio Kelly, Donald O'Connor y Debbie Reynolds, que nos cuentan un relato de cine dentro del cine, y que es como una visión del propio arranque del cine sonoro. Para muchos el mejor musical, y una de las grandes películas de todos los tiempos. Razones no le faltan.







Calificación:


Sonrisas y lágrimas



Dirigida en 1965 por Robert Wise, Julie Andrews, vuelve a repetir un año después de Mary Poppins, un papel construido a su medida. Basada en la historia novelada y musicalizada de la familia von Trapp, según el libro de María von Trapp, La historia de los cantantes de la familia Trapp. Con anterioridad a la realización de la película, fue un musical de Broadway, que se estrenó a finales de 1959, alcanzando 1443 representaciones. Se da la triste circunstancia, de ser la última colaboración entre Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II, pues este último, falleció 9 meses después de su estreno. Completan el elenco, un correcto Christopher Plummer y una bellísima Eleanor Parker, entre los idílicos paisajes suizos y unas agradables y pegadizas canciones. Fue galardonada con 5 Oscar.





Calificación:




En 1961, Robert Wise en colaboración con Jerome Robbins (autor también de parte del guión) y el gran Leonard Berstein, acometieron esta intensísima producción, que actualiza el mito de Romeo y Julieta, trasladándolo a las calles neoyorquinas del West Side, donde las bandas latinas, rivalizan con las anglosajonas, por la hegemonía en el barrio y el dominio del sexo opuesto. Brillante música, letra y coreografía, realizada en escenarios imposibles, pero sacados mágicamente del entorno en donde suceden. Preciosa Natalie Wood, una enérgica Rita Moreno y un superior George Chakiris, realzan este film, ícono indiscutible del género y de dos épocas: la dorada del cine y la más carismática, sobre la vida del citado barrio. Una de las películas más oscarizadas de la historia del cine, con 10 estatuillas.




Calificación:





© francisco javier costa lópez (textos)